Заходя в зал музея, мы часто не задумываемся над смыслом, который художник заложил в ту или иную картину. Мы стараемся как можно быстрее пробежать музей, чтобы больше увидеть. Но, лучше увидеть меньше и качественнее, чем больше и ничего не запомнить. А чтобы лучше понять, какие же загадки скрывает от нас искусство, предлагаем Вам рассказ о самых загадочных картинах западного искусства.
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи. Наверное, это самая известная картина в истории. А с другой стороны, она больше всего окутана различными предположениями, загадками и версиями происхождения. Точно даже не известно кто эта таинственная женщина на портрете. Наиболее достоверной версией является портрет Лизы дель Джокондо — жены флорентийского купца. Но, в последнее время существует достаточно много спекуляций о том, что под портретом, который можно увидеть сейчас находится другое изображение (и там уже присутствуют варианты от беременной Донны Лизы к автопортрету Леонардо или и вовсе женского портрета, написанного с любимого ученика художника Салаи). Безусловно, под цветным слоем, который мы видим сейчас могут быть несколько других изображений. Художники нередко перегрунтовывали свои старые работы и писали на них новые картины.
Загадка картины еще заключается в том, что портрет не был передан заказчику. Но для Леонардо это тоже не новость. Он редко завершал свои работы. Возможно Леонардо именно здесь пытался довести до идеала технику сфумато (рассеивание света, которое приводит к эффекту воздушной перспективы).
Но настоящей звездой «Джоконду» сделал Лувр, который использовал все достижения современного пиара после похищения и возвращения картины в начале ХХ в. Подробнее об этой истории можно почитать в статье «История похищения Мона Лизы».
Фреска «Сотворение Адама» Микеланджело Буонарроти — это без преувеличения самый известный фрагмент фресок Сикстинской капеллы и одна из самых узнаваемых фресок в мире. Считается, что за основу этой композиции Микеланджело взял фрагмент из Порта дель Парадизо (Райские Врата) Лоренцо Гиберти, которые он видел во Флоренции.
Всемирную узнаваемость этой работе принесла рекламная компания «Нокиа», где была использована реплика с фрески. Но вернемся к созданию фрески. Колоссальная работа над росписью плафона Сикстинской капеллы означала, что нужно было так построить фигуры, чтобы они пропорционально и органично смотрелись снизу. Микеланджело много экспериментировал с ракурсами. Бог изображен в активном движении, он летит как будто бы в раковине (символ, который пришел еще с античных времен), он полон энергии. Этого нельзя сказать об Адаме, который как будто бы просыпается. Микеланджело сделал невероятную вещь: показал, что создание Адама не только акт физический, но и духовный, в Адама как будто бы вдыхается жизнь.
Еще одну интересную особенность заметил американский врач Фрэнк Линн Мешбергер: раковина в которой летит Бог похожа на строение человеческого мозга в разрезе. Совершенно невозможно утверждать, что Микеланджело сделал это случайно. Ведь он, как и другие художники эпохи Возрождения хорошо разбирались в анатомии и даже проводили вскрытия.
«Ночной дозор» Рембрандт ван Рейн на самом деле не ночной. Такое название картина получила среди зрителей благодаря темному фону. Но как выяснилось во время реставрации, события разворачиваются днем, а потемнели краски уже со временем. «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрха» — вот настоящее название огромной картины.
Первая загадка картины раскрыта: краски потемнели от времени. Но почему художник нарушил правила парадного коллективного портрета? Кто эта таинственная девочка, залитая солнечным светом и которая похожа на недавно умершую жену художника Саскию?
Официальное название этой картины — «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбурха». На картине изображён момент, когда амстердамская рота стрелков готовится к патрулированию или выступлению. В центре композиции — две ключевые фигуры: капитан Франс Баннинг Кок, одетый в чёрное, и лейтенант Виллем ван Рейтенбурх в жёлтом костюме. Они ведут своих людей вперёд, и вся сцена наполнена динамикой и движением, что является уникальным для групповых портретов того времени, которые обычно изображали фигуры в статичных позах. «Ночной дозор» привлекает внимание своей сложной многосоставной композицией. На картине изображены 34 персонажа, каждый из которых ярко выражен в своём движении, одежде и со своим оружием.
Одной из самых выдающихся черт «Ночного дозора» является мастерское использование света и тени, создающее драматический эффект. Рембрандт, как и во многих других своих работах, использует технику светотени, чтобы выделить ключевые элементы картины и направить внимание зрителя на главных персонажей. Свет играет важную роль в формировании композиции, подчёркивая центральных героев и создавая ощущение глубины и движения.
Помимо динамики и светотени, «Ночной дозор» насыщен символами. Например, капитан Кок жестом правой руки указывает вперёд, что символизирует его лидерство и решительность. Лейтенант Рейтенбурх, в жёлтом, изображён в момент, когда держит копьё, подчёркивая свою активную роль в группе. Маленькая девочка на заднем плане, несмотря на свою незаметность среди военных, является важным элементом композиции. Считается, что курица, которую она держит на поясе, намекает на символику амстердамской роты стрелков, чей символ — коготь курицы.
«Ночной дозор» стал новаторским произведением для своего времени благодаря способу изображения группового портрета. До этого такие портреты обычно представляли фигуры в спокойных, статичных позах, но Рембрандт наполнил свою работу действием, эмоциями и жизнью. Картина отличается от традиционных групповых портретов тем, что показывает момент движения, где персонажи взаимодействуют друг с другом. Хотя картина подверглась критике в своё время из-за нестандартного подхода к групповому портрету, позже она получила признание и стала одним из самых известных шедевров Рембрандта. Она оказала значительное влияние на дальнейшее развитие европейской живописи, особенно в том, что касается групповой композиции и работы со светом.
«Юдифь и Олоферн» Караваджо да Меризи. Сюжет о смелой иудейской женщине Юдифь и вавилонском военачальнике времен Навуходоносора Олоферна был одним из самых любимых у живописцев. Но Караваджо иначе трактовал образ Юдифь. Он отказался от ее дорогих нарядов и изобразил женщину в обычной, повседневной одежде. А кроме того, он всячески подчеркивает отвращение Юдифь то ли к Олоферну, то ли к усечению его головы, которое Юдифь проводит со своей служанкой. Если же обратиться к ранним изображениям этого сюжета, то Юдифь не наделена такими яркими эмоциями. Она или спокойно отсекает голову врагу, либо уже с гордостью несет ее своему народу. Почему же Караваджо, который, как полагают, сам неоднократно был виноват в человеческой смерти акцентировал свое внимание именно на ужасе происходящего события? Может ли это говорить о том, что художник не был таким негодяем, как принято о нем думать?
«Сад земных наслаждений» Иероним Босх. Триптих, в котором вопросов больше чем ответов, как и во всем творчестве Босха. Точно не известно даже название триптиха, как и названий всех других работ Босха. Названия его картинам давали исследователи в более поздние эпохи.
События триптиха разворачиваются слева направо: от Рая до Ада. Босх насыщает картину большим количеством страшных образов и видов пыток. Он демонстрирует грехи и не только очевидные телесные, но и те, которые современному человеку сложно понять. Например, пытки, связанные с музыкальными инструментами. Дело в том, что в Средневековье полифония считались дьявольским изобретением (как впоследствии и печатная книга). А с другой стороны, огромные уши, пронизанные стрелой, могут указывать на глухоту людей к евангельским истинам. Еще один яркий образ — это существо с головой птицы, которая поедает грешников и сбрасывает их тела через пищевод в виде песочных часов. Такая аллегория времени, которое безжалостно к каждому.
«Девушка с жемчужной сережкой» Ян Вермеер — визитная карточка художника. А девушку часто называют голландской Моной Лизой. О картине известно очень мало сведений. Точно не известно, кто на ней изображен. Возможно это дочь Вермеера — Мария. Картина полна нежности и имеет характерный для Вермеера колорит. В начале ХХ века известный фальсификатор Хенрикюс Антониус «Хан» ван Мегерен написал картину очень похожую на «Девушку с жемчужной сережкой» и выдал ее за оригинал XVII века. Она даже попала в Национальную галерею искусств в Вашингтоне. Но сейчас уже доказано, что это была искусная подделка. В общем, благодаря Мегерену работы у исследователей творчества Вермеера прибавилось.
«Девушка с жемчужной сережкой» — одно из самых известных произведений голландского художника XVII века Яна Вермеера. Эта картина, которую часто называют «северной Моной Лизой», стала символом загадочности и нежной красоты, привлекая к себе внимание зрителей со всего мира. Её история окутана тайной, а изображённая девушка вызывает множество вопросов о своей личности и значении.
На картине изображена молодая девушка, которая оборачивается на зрителя через плечо, создавая ощущение внезапного взгляда, вот-вот встретившегося с вами. Она одета в простую жёлто-голубую шаль и тёмную одежду. Жемчужная серёжка, ставшая центральным элементом картины, добавляет лёгкости и элегантности её образу.
Одной из главных причин, по которой эта картина так восхищает, является уникальная техника Вермеера. Он мастерски использует свет, который мягко ложится на лицо девушки, подчеркивая её чистые черты. Светотень создаёт иллюзию глубины и реалистичности, благодаря чему зритель чувствует, будто героиня стоит прямо перед ним. Блеск жемчужной серёжки прекрасно контрастирует с мягкостью ткани её шали и кожи. Вермеер также выделялся своим умением передавать текстуры: блестящая поверхность серёжки, шелковистая ткань одежды и нежная, почти прозрачная кожа девушки — всё это создаёт впечатление невероятной реалистичности.
«Девушка с жемчужной серёжкой» стала одним из самых признанных произведений искусства, которое до сих пор восхищает зрителей своей простотой и эмоциональной глубиной. Картина получила широкую популярность не только благодаря своим художественным качествам, но и благодаря одноимённому роману Трейси Шевалье, по мотивам которого был снят фильм. Это лишь усилило интерес к работе Вермеера и сделало её одной из самых известных в мире.
«Менины» Диего Веласкес — это фантастический шедевр, который вдохновлял множество художников, включая Пабло Пикассо. А сам Веласкес взял идею сложного построения пространства у Яна ван Эйка, в картине, о которой написано ниже.
Загадка картины заключается в том, что, присмотревшись внимательно становится понятным, что художник пишет не тех людей, которые ему позируют. То есть, на картине явно позирует маленькая инфанта, но художник стоит за ее спиной. А вот в зеркале за спиной художника мы видим отражение королевской четы. Холст, который больше человеческого роста, перед которым стоит Веласкес, явно рассчитан на парадный портрет короля и королевы. Но мы видим их прекрасную дочь со свитой, художника за мольбертом и еще два пространства (в зеркале и за дверью в которые выходит камердинер).
Картина «Менины» (1656) – это многослойное полотно, которое постоянно поражает исследователей и зрителей глубиной смысла и техническим совершенством. Название «Менины» переводится как «фрейлины» и относится к придворным дамам, сопровождавшим инфанту, дочь испанского короля Филиппа IV. На переднем плане картины изображена инфанта в окружении своих фрейлин, карликов и собаки. Справа стоит сам художник Веласкес с кистью в руках, изобразивший себя в процессе работы над полотном. На заднем плане можно увидеть короля Филиппа IV и королеву, их фигуры отражены в зеркале на задней стене комнаты. Эта необычная композиция сразу привлекает внимание зрителя, ведь главное действие происходит в пространстве картины, но при этом зеркало добавляет еще одно измерение. Благодаря этому эффекту зритель ощущает себя частью сцены, словно находится по ту сторону полотна, отражаясь в том самом зеркале.
Художественная техника Веласкес известен своей исключительной мастерством в изображении света и теней, а также в использовании цвета. Картина «Менины» является ярким примером этого мастерства. Свет падает на лицо инфанты и ее окружение, подчеркивая детали одежды, тканей и выражений лиц. Техника свободного мазка, которую использовал Веласкес, создает иллюзию пространства, перспективы и текстуры, делая картину чрезвычайно реалистичной.
«Портрет четы Арнольфини» Ян ван Эйк — это картина с которой Веласкес заимствовал прием с зеркалом. Самая известная картина ван Эйка показывает нам семейную пару: флорентийского купца Джованни Арнольфини с женой. Возможно картина изображает их дом в Брюгге. Существует версия, что жена Арнольфини умерла (над ее головой угасла свеча) и человек заказал семейный портрет в знак верности жене. Это утверждение поддерживается изображением собачки на картине.
Картина «Чета Арнольфини» (1434) – одно из самых известных и загадочных произведений нидерландского художника Яна ван Эйка. Эта работа считается шедевром северного Возрождения и символом мастерства художника в использовании деталей, света и перспективы. Полотно содержит множество элементов, которые делают его предметом многочисленных исследований и интерпретаций.
На картине изображена супружеская пара в момент, который считается либо свадебной церемонией, либо символическим заключением контракта. Личность пары не вызывает сомнений — это Джованни ди Николао ди Арнольфини, итальянский купец, и его жена. Их фигуры изображены в спокойной и формальной позе, стоя в комнате, наполненной множеством символов богатства, статуса и семейной жизни. Мужчина и женщина стоят, держась за руки, что намекает на торжественный момент их единения.
Каждый элемент картины содержит символический подтекст. Одной из центральных деталей является зеркало, висящее на задней стене комнаты. В отражении зеркала можно увидеть еще две фигуры, которые, вероятно, являются свидетелями этой сцены, одна из которых, как считают, мог быть сам ван Эйк. Собака у ног супругов символизирует верность и преданность, а снятая обувь намекает на святость момента, так как согласно традиции, обувь снимают перед Богом или во время свадебной церемонии.
Ян ван Эйк был одним из первых художников, кто использовал технику масляной живописи с такой мастерством. Именно благодаря этой технике он смог достичь невероятной реалистичности и многослойности в изображении текстур, света и теней. Детали картины, такие как фактура тканей, блики света на зеркале или блеск золота на люстре, делают полотно поразительно реалистичным. Свет на картине передан с большой точностью. Ван Эйк мастерски изобразил естественное освещение, которое проникает через окно слева, создавая игру теней и бликов, что усиливает реалистичность сцены.
«Чета Арнольфини» считаются не только произведением искусства, но и документом эпохи. Картина отражает общественные нормы, эстетику и быт зажиточного купеческого класса XV века. Картина оказала огромное влияние на развитие искусства, особенно в плане использования света и внимания к деталям. Ван Эйк стал образцом для многих поколений художников, а его новаторская техника масляной живописи открыла новые горизонты в европейском искусстве.
И еще обратите внимание на прекрасное зеркало, в котором видно двух человек. Вероятно, это сам Ян ван Эйк с братом Хубертом или со своим учеником. Это не единственная картина ван Эйка где появляются эти двое. Зеркало оформлено в раму с изображением Страстей Христовых в медальонах. И здесь Панофський (ведущий историк и теоретик искусства, который исследовал иконологию картин старых мастеров) находит еще одно доказательство тому, что женщина, которая изображена на картине умерла. Страсти со стороны мужчины рассказывают историю до смерти Иисуса, а со стороны женщины – после распятия.
Выдающийся исследователь Эрвин Панофський считает, что на картине изображена свадьба, а два человека, которые отражаются в зеркале — свидетели. Правда, возникает вопрос, где же находится священник, который должен был освятить этот брак и зарегистрировать его.
«Сикстинская мадонна» Рафаэль Санти — самое известное изображение Богоматери. Огромная картина 265 х 196 см была написана по заказу Папы Юлия II в знак победы над французскими войсками, которые вторглись в Ломбардию.
В XVI веке итальянцы еще много писали на досках, но Рафаэль взял для такой монументальной работы холст. На картине изображена Мадонна (существует версия, что она была написана с любимой Рафаэля Форнарины, однако нет окончательных доказательств, что это действительно так) с маленьким Иисусом на руках. Рядом с ней папа Сикст II (собственно поэтому Мадонна и называется Сикстинская) и Святая Варвара. Сикст II был дядей Юлия II, поэтому новый Папа старался как можно больше прославить своего родственника и развенчать память о понтифике из семьи Борджиа. Внизу мы видим двух ангелочков, которые опираются как будто бы на нижнюю часть рамы картины. Но, в действительности, это Гроб Господень. То есть, Рафаэль завязывает в свою композицию всю историю Христа от рождения до своего жертвоприношения. И Мария, которая парит на картине, знает, чем закончится земной путь ее сына.
«Буря» Джорджоне да Кастельфранко — это еще одна загадочная картина эпохи Возрождения. Сама фигура Джорджоне довольно загадочная. Непревзойденный художник, в мастерской которого начинал свой творческий путь Тициан. Джорджоне мог бы сделать еще много прекрасных картин, но он умер от чумы в 1510 году.
Что же касается картины «Буря», то ее сюжет не выяснен до сих пор. Возможно здесь проиллюстрирована поэма Джованни Боккаччо «Фьезоланские нимфы». Возможно здесь изображена цыганка и воин, который ее охраняет. Но остается открытым вопрос от чего охранять женщину с ребенком на безлюдном пространстве. Но больше всего поражает изображение природы, которое и дало название картине исследователями более поздних поколений. Если же взять фрагмент картины с изображением молнии, то это может быть полноценной картиной. Видение природы Джорджоне вдохновляло на исследования пейзажей не одно поколение будущих художников. Больше об истории пейзажа можно почитать в статье «Пейзаж. Становление жанра».
Подробнее о загадочных картинах мира узнавайте на лекциях по истории европейского искусства. А почувствовать особенности живописи и попробовать технику масляных красок можно на мастер-классах масляной живописи в арт-студии «Лихтарик».
Каждый мастер-класс или лекции арт-студии «Лихтарик» можно подарить в виде подарочного сертификата. Знакомьтесь с искусством, занимайтесь творчеством и наслаждайтесь жизнью вместе с любимыми мастер-классами и лекциями.
У меня синдром Стендаля сегодня. Утром ходили в Падуанский баптистерий. Смотрели фрески Менабуя. А после обеда у нас было посещение каппелы Скровеньи. Теперь я понимаю , что сделал Джотто для мира. Очень меня все это впечатлило в живую. Привет передала.
Мир прекрасен. Падуя очень понравилась:) спасибо за лекции Света!
Lily Golovchak
Мы на карте
