Самые известные картины Ренессанса (станковые картины и фрески)

Позвоните сейчас и закажите

Ренессанс — это об идеалах, о возвеличивании Античности, но это также о семейных тайнах и загадках на картинах. Это о неуловимом сфумато, благодаря которому мы так восхищаемся картинами этого периода. Это об истории человечества. Поэтому время рассказать о самых известных образцах ренессансного творчества. 

1. «Рождение Венеры» Сандро Боттичелли, 1485- 1486

Представим, что мы в Галерее Уффици в Италии и смотрим на картину «Рождение Венеры» Боттичелли. Это, конечно, одна из самых знаковых картин в истории западного искусства. Знаковость ее не только в масштабности холста или давности, но и в оригинальности. Дело в том, что она выходит за рамки культурного контекста своего времени — до появления этой картины, обнаженной на картинах можно было увидеть только праматерь Еву — библейского персонажа. Но здесь Боттичелли изобразил Венеру — античную богиню любви. Она родилась из моря и, кажется, ее подталкивают ветры Зефиры, которые изображены в человеческом образе слева. Сама богиня стоит на ракушке, точнее почти стоит — она делает грациозный шаг на берег. И когда она выйдет на него, ее встретит служанка, чтобы прикрыть наготу Венеры. Зефиры же переплетены между собой в невозможный способ. Когда мы смотрим на картины Ренессанса, обычно ожидаем увидеть натурализм: тела, похожие на настоящие, и обязательно в реальном пространстве. Но Боттичелли показывает нам совсем другое. Некоторые историки искусства считают, что Боттичелли обратился к древнегреческим картинам как к источнику этого произведения. В таком случае единственными примерами фигур, которые Боттичелли мог найти и которые принадлежали к античной греческой культуре были росписи на вазах, на которых фигуры изображены изолированно. На этой картине Боттичелли все фигуры подались вперед, разместились линейно и в одной плоскости, но расположены они изолированно. Поэтому этот стиль письма так похож на линейные росписи на вазах.

Рождение Венеры

2. «Весна» Сандро Боттичелли, 1477- 1482

«Весна» Сандро Боттичелли

В центре этой картины мы видим Венеру в своем священном лесу, она смотрит прямо на нас. Деревья у нее расходятся, чтобы показать небо, поэтому за ее спиной образуется своеобразный полукруг — нимб. Этот нимб напоминает полукупол, который является характерным для храмовой архитектуры. В период Ренессанса в таком оформлении мы видим в основном Деву Марию в храме. Но Боттичелли следовал трендам Ренессанса, поэтому вместо Богородицы у него главной становится богиня любви и красоты. Слева изображены три грации, символизирующие красоту, скромность и любовь. Сверху расположен Амур, который готов выстрелить в одну из граций. Всем известно, что этот невыносимый парень особенно активен весной, поэтому безобразно стреляет своими стрелами налево и направо даже не глядя, в кого собирается попасть. Любовь слепа — поэтому у Амура и завязаны глаза. Ближе к левому краю можно увидеть Меркурия — он отталкивает облака в священной роще. А справа мы наблюдаем три другие фигуры: Зефир — бог ветров, который пытается похитить Хлориду, Флора — богиня прекрасного, и сама Хлорида — богиня цветения и всего растительного мира, которая отчаянно пытается ухватиться за Флору. Флора же рассыпает весенние первоцветы, образуя цветочный ковер. В конце концов, это же «Весна».

3. «Сикстинская Мадонна» Рафаэль Санти, 1512- 1513

«Сикстинская Мадонна» Рафаэль Санти

Огромная по размерам (256×196 см) картина была создана Рафаэлем для алтаря церкви Святого Сикста. Существует гипотеза, что картина была написана в честь победы над французами, которые вторглись в Италию. Раздвинутые в стороны зеленые завесы открывают зрителю Мадонну, которая шагает по широким облакам с младенцем. Светлые облака на заднем плане, которые образуют подобие сияния вокруг Мадонны, состоят из множества маленьких головок ангелов. Слева от Богоматери мы видим святого Сикста, мученика и Папу, который жил в III веке. На его папский статус указывает размещенная внизу тиара.

Обращаясь к Богоматери, святой Сикст указывает, кажется, на верующих перед картиной, представляя их милости Мадонны. Мы вспоминаем при этом, что картина предназначена, собственно, для алтаря церкви, а не для музейной выставки. Справа у края картины — святая Варвара — мученица, которая также жила в ІІІ веке. Через неописуемую красоту, она была заперта в обозначенную за плечом башню, а позже, когда ее отец узнал об обращении дочери в христианство, он срубил ей голову.

Парапет, на который опираются два ангела, выдвинутый вперед как рубеж между зрителями и небесной сценой, подчеркивая еще раз дистанцию между реальной и сверхъестественной сферами.

Существует теория, согласно которой картина сначала была предназначена для надгробия Юлия II. На это указывает маленькая деталь — желудь над тиарой папы. Поскольку Папа Юлий ІІ происходил из семьи делла Ровере, на гербе которой был изображен желудь, эта теория вполне вероятна. Изображенный внизу парапет должен обозначать по этой теории саркофаг папы, жесты святых в таком случае указывают на умершего папу.

4. «Венера Урбинская» Тициан, 1534

«Венера Урбинская» Тициан

Красоты и любви много не бывает, поэтому мы вспоминаем о еще одной знаковой Венере, которая родом из Ренессанса. Эту картину приобрел Гвидобальдо делла Ровере, герцог Урбинский — от него картина и получила свое нынешнее название. Венера Урбинская является воплощением всех характерных черт живописи Тициана. В частности, волосы, кожа, меха, цветы, ткани и драгоценные камни переданы художником с натуральностью, близкой к оптическому обману. Этим эстетическим средством, а также сфумато, которое окружает тело женщины, Тициан демонстрирует высокий уровень художественного мастерства. Это волшебное слово — сфумато — описывает технику, при которой контуры объектов на холсте размываются. Она передает оптический эффект, который мы наблюдаем в реальной жизни, когда кто-то приближается к нам издалека. Воздух обтекает тело — и контуры размягчаются. Это и есть сфумато. Если вас интересуют техники живописи, которые были распространены среди художников в разное время, предлагаем вам лекции по истории искусства. Эта картина перекликается со «Спящей Венерой» Джорджоне — вот посмотрите: 

«Спящая Венера» Джорджоне

Тело женщин на обеих картинах — и Тициана, и Джорджоне — отражает идеал красоты и является своеобразным эротичным символом эпохи позднего Возрождения. Высокий лоб, который считался красивым в Средневековье и ради которого женщины выщипывали волосы на лбу, перестал быть идеалом. Теперь лицо было красивым, если оно было покрыто волосами. Любимым цветом волос стал не темный, как у большинства итальянок от природы, а светлый. Почти у всех мифологических фигур, изображенных художниками итальянского Ренессанса, были белокурые волосы. Грудь считалась красивой, если она была маленькой, круглой и упругой. Местом действия Тициан выбрал комнату, где все дышит уютом дома: на заднем плане служанка ищет что-то в сундуке, а другая смотрит на нее в ожидании. На окне стоит мирт — символ супружеской жизни, на кровати расстелены белые простыни и брошены белые подушки — они говорят о чистоте женщины, у ног которой свернулась собачка. Эта собачка символизирует преданность.

Существует две версии интерпретации тициановской красавицы, противоречащих друг другу. По одной из них — картина символизирует узы брака. Сундук с нарядом на заднем плане при этом рассматривается как приданое обнаженной девушки. Другие исследователи полагают, что «Венера Урбинская» — это портрет куртизанки, которая как бы предлагает себя зрителю.   

5. «Брак в Кане Галилейской» Паоло Веронезе, 1562- 1563

«Брак в Кане Галилейской» Паоло Веронезе

«Брак в Кане», также известная как «Пир в Кане», — работа Паоло Веронезе, изображающая библейскую историю о свадебном пире, описанную в Евангелии от Иоанна, на котором Иисус превратил воду в вино. Это было первое чудо, которое Иисус совершил в начале своего служения, поэтому этот сюжет распространен в искусстве. Широкоформатная картина выполнена в стиле Высокого Возрождения и является самой широкой картиной в Лувре. В работе чувствуется стилистическое влияние и гармония таких художников как – Леонардо, Рафаэль и Микеланджело. В то время как искусство Высокого Возрождения стремится к идеальным пропорциям и красоте, маньеризм преувеличивает эти идеи, добавляя к ним неестественно элегантные, асимметричные композиции, наполненные напряженностью и нестабильностью. В «Браке в Кане» Веронезе использовал множество технических приемов, проявив интеллект и утонченность.

Задний план картины — смесь архитектурных деталей Античности и эпохи Возрождения. Колонны, низкие балюстрады и башни позади сочетаются в одной композиции. Стоит отметить, что группа музыкантов на переднем плане играет на инструментах времени позднего Ренессанса — отнюдь не периода начала нашей эры в Израиле.

Среди многочисленных фигур, а их на картине около 130, можно встретить таких исторических персон как – Сулеймана Великолепного, императора Карла V, Даниэле Барбаро (архитектор и писатель), Маркантонио Барбаро (дипломат) и многих других. Также автор включил в работу свой автопортрет и изображения художников Якопо Бассано, Тинторетто и Тициана. И конечно же, на картине изображены библейские личности.

На нижней части картины доминирует греко-римская архитектура. В ней расположены популярные персонажи того времени и исторические фигуры, приглашенные на библейскую трапезу. Здесь мы видим и Иисуса. Это единственный персонаж, который смотрит прямо на зрителя.

В картине есть скрытый символизм, который показывает пустоту человеческого тщеславия. Проявляется оно в песочных часах на вертикальной оси относительно Иисуса.

6. «Мадонна Дони» Микеланджело Буонарроти, 1507

«Мадонна Дони» Микеланджело Буонарроти

«Святое Семейство» — это единственная станковая работа Микеланджело — такая, которая была создана на холсте, а не на стене. Аньоло Дони — это флорентийский ткач, который заказал картину на честь своей свадьбы. На ней изображено Святое семейство (младенец Иисус, Мария, Иосиф). Ихнее фигуры словно переплетены между собой. Женская рука оперлась на колено Иосифа, пальцы младенца вцепились в волосы матери. В странный и неестественный способ Иосиф передает младенца Марии, которая сидит на земле. Существует мнение, что художник обыграл в этой позе имя заказчика (с итальянского «donare» — давать, «doni» — дарить).

Многослойная манера письма была разработана художником как один из вариантов живописной техники сфумато — вспомните значение слова? Но тут изображение принимает глубину и перспективу не из-за максимального сглаживания переходов, а за счет цветового контраста. Вот так работа над образом святого семейства предвидела технику, которой Микеланджело будет пользоваться при работе над потолком Сикстинской капеллы.

Группа лиц на переднем плане выделена не только с помощью цвета. Складки драпировки резко смоделированы, они выглядят застывшими, и поэтому похожи не столько на ткани, как на скульптуры, которые застыли в камне. Масса загадок сопровождает это произведение. И на сегодня остается не ясен смысл расположенных на фоне обнаженных юношей. Существуют несколько версий, часто совершенно противоположных: одни считают их фигурами ангелов, другие — символом языческого мироощущения. Кто-то из молодых людей, изображенных в глубине картины, оперся на камень, кто-то сидит на них. Очертания камней могут быть связаны с лунным полумесяцем, который присутствует в виде родового герба на плаще Маддалены Строцци, жены Аньоло Дони.

7. «Мертвый Христос» Андреа Мантенья, 1480

«Мертвый Христос» Андреа Мантенья

Мантенья обращается к известному сюжету «Оплакивание Христа», изобразив в необычном ракурсе тело Христа и трех человек, которые его оплакивают — мать Иисуса Христа, Марию Магдалину и апостола Иоанна. Христос лежит на мраморном ложе и расположен по центру картины. Его голова едва наклонена влево и опирается на подушку. Ноги Христа покрывает накидка, однако обнаженными остаются грудь, руки и ступни. На руках и ступнях изображены стигматы Иисуса, которые остались от гвоздей, которыми его прибивали к кресту. Персонажи, которые оплакивают Христа, расположены с левой стороны картины. Художник показал только часть их лиц, сосредоточив внимание на фигуре Иисуса. Благодаря необычному ракурсу и несколько преувеличенному перспективному сокращению, Мантенья получил возможность изобразить все стигматы Христа. Как известно, эта картина была очень ценной для самого художника и хранились в его доме до смерти. Предполагается, что картина, которая сохранилась к нашему времени — копия, а оригинал утерян.

8. «Успение Богородицы» Тициан, 1516- 1518

«Успение Богородицы» Тициан

Эту картину следует искать не в музее, а в месте, для которого она и была предназначена — в церкви Фрари в Венеции. Картина «Успение Богородицы» стала первым крупным заказом Тициана в Венеции, где впоследствии он стал известным художником. Обратите внимание, что мы говорим только о средней части триптиха — именно она была написана Тицианом, а две боковые части написал Пальма Веккьо. События на картине происходят на трех различных уровнях. На нижнем уровне — апостолы, которые застыли в разных позах. Они со страхом смотрят на небо, будто молятся с вытянутыми руками. В центре композиции — Дева Мария в красной одежде с мантией. Дева Мария показана вскоре после ее смерти, когда она поднимается вверх к небу, где на нее ждет Бог и готовит для нее корону. В основе сюжета — библейское повествование о том, что апостолы собрались в Иерусалиме для погребения тела Девы Марии, но стали свидетелями того, как она вознеслась в Царство Небесное.

Тициан нарушил традицию, опустив все элементы пейзажа, хотя серо-голубое небо над апостолами показывает, что действие происходит на открытом воздухе. Небо контрастирует с золотым небесным светом в верхних частях, что напоминает о золотом фоне, который является традиционным для мозаик, которые до сих пор делают в Сан-Марко, и о золотых росписях готического периода.

9. «Афинская школа» Рафаэль Санти, 1511

«Афинская школа» Рафаэль Санти

Фреска «Афинская школа» является примером сложившегося стиля автора, который образовался под влиянием его дяди, известного архитектора Донато Браманте. Действие на фреске разворачивается на фоне огромного мраморного храма. Но этот храм античной мудрости пустой. В поисках истины философы выходят из него. Они как бы разбиты на несколько групп. Погруженные в спор, последними выходят Платон и Аристотель. Философы объединяются вокруг Аристотеля и Платона и разговаривают друг с другом. Интересно, что автор предоставил Платону сходство с Леонардо да Винчи. У подножия лестницы две наиболее многочисленные группы философов спорят: справа — группа юношей, окружила Евклида, в облике которого признается сходство с архитектором Браманте. Также здесь расположен Птолемей, а за ним два парня; в образе одного из них узнается сам Рафаэль; слева — философ Аверроэс (Ибн Рушд). Обратите внимание на мальчика, который сидя что-то записывает. Это обычный писарь. Казалось бы, что он настолько не важен на этой картине, что нам даже не показывают его лицо. Но если внимательно посмотреть на его волосы, то они развеиваются в отличие от волос других персонажей. В восприятии Рафаэля Санти отсутствие ветра — это отсутствие движения времени. Все персонажи этой картины остались в истории. А с этим писарем все наоборот: он подается движению времени, его волосы развеиваются ветром именно потому, что он один-единственный персонаж, который запишет все слова этих великих людей и тем самым сделает их вечными.

Если же вас интересуют загадки, вы желаете необычных открытий и новых навыков, мы готовы поделиться с вами секретами искусства. Обещаем сделать это на наших мастер-классах. Наши посетители рекомендуют.

Сделаейте приятно своим близким — подарите сертификат на мастер-классы или лекции от Арт-студии Лихтарик.

Оставить заявку

    Ближайшие мастер-классы
    Посмотреть весь календарь >>
    Отзывы наших клиентов
    Как нас найти

    Мы на карте

    Напишите нам