Импрессионизм в живописи

Позвоните сейчас и закажите

«Это просто отрицание элементарных правил живописи. Эти наивные и искренние детские каракули заставляют вас улыбаться, но распущенность этой школы художников вызывает тошноту и отталкивает», — примерно такими отзывами пестрили французские издания после выставки молодых художников весной 1874 года.

На этой выставке Клод Моне и Камиль Писсарро представили 165 работ 30-ти художников. Это была первая выставка импрессионистов, которые именовали себя обществом анонимных художников. И учитывая то, насколько резкую критику эта выставка получила, художественное будущее молодых нонконформистов было под вопросом. На выставке, в частности, были представлены также полотна Альфреда Сислея, Пьера-Огюста Ренуара, Эдгара Дега, Поля Сезанна и Берты Моризо — словом, всех тех, кого теперь считают классиками импрессионизма и истинными художниками. Благодаря своей настойчивости, они убедили зрителей не только в своей искренности, но и в своем таланте. Импрессионисты провели восемь выставок, первую — в 1874 году, а последнюю — в 1886 году. Этих позже признанных классиков живописи объединила общая борьба с консерватизмом и академизмом в искусстве, хоть техники их не были идентичными. Они творили вопреки Парижскому салону — художественной организации, диктующей тренды искусства. Выставки Салона и признанные Салоном художники автоматически получали публичное одобрение, а вот творить против канонов Салона было достаточно рискованно.    

Но импрессионисты, как и каждая молодая генерация, не воспринимали навязанных авторитетов и канонов. На первое место импрессионисты ставили свое восприятие действительности, так сказать, творили по собственным правилам. Их воображение отличалась от других своей эксклюзивностью: например, солнце изображали синим цветом, а водоем — желтым, человеческие фигуры — расплывчатыми и схематичными. Было важно не «что» изображается, а «как». Объект становился поводом для решения зрительных задач. Говорят, будто в их полотнах оживает детскость.  

Благодаря многим изобретениям и открытиям ученых, художники в полной мере сумели не только практиковать, но и совершенствовать свои навыки. На примере исследования Ньютона о разложении солнечного света сквозь спектроскоп на семь цветов, художники изображали определенный предмет или явление на холсте с широкой гаммой оттенков. Точно прозвучит мнение И. Гете: «… для появления цвета необходимы свет и мрак, светлое и темное». Так, в зависимости от освещения и угла падения тени, прослеживали градацию цвета на творческом объекте.

В процессе создания картины художники наносили краску мазками, а также использовали контрастные и промежуточные оттенки. Чаще всего фон выбирали белым, в таком случае самые яркие моменты красочно выделялись на холсте.

Для этюдного творческого метода импрессионизму характерна краткость, поскольку только это позволяло точно фиксировать отдельные состояния природы.  

Художники стремились ликвидировать статичность в искусстве, стали использовать асимметричные композиции, чтобы акцентировать внимание на действующих лицах и предметах.

Как было отмечено, известными представителями импрессионизма в живописи стали: Клод Моне, Эдгар Дега, Эдуард Мане, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Пьер-Огюст Ренуар, Поль Сезанн и Берта Моризо. Подробнее о каждом из них мы расскажем ниже, ведь их вклад в развитие этого направления является уникальным. Конечно, мы не перечисляем абсолютно всех художников, поэтому если вам интересно узнать и о других художниках, приглашаем Вас на онлайн-курс по истории европейского искусства.

Оскар Клод Моне (1840 — 1926)

Этот художник — один из основателей импрессионизма. Он не осознавал себя как импрессионист, а писал, просто поддаваясь вдохновению и попытке создать что-то весомое.

Страсть к написанию пейзажей повлияла на создание им особой техники экспрессивных мазков: отсутствие глубины и описательных деталей. Художник разрушал привычные стереотипы и вводил публику в неземной мир — для импрессиониста искусство никогда не было окном в реальность, это был скорее способ быть открытым и искренним. Моне цеплялся за мгновения, чтобы отразить их в своих работах. И отразил он около 200 мгновений на 200 картинах, среди которых — «Завтрак на траве», «Сирень на солнце», «Бульвар Капуцинок» и другие.

«Впечатление. Восход солнца» (1872 г.) — картина, ставшая манифестом импрессионистов и подарившая название направлению молодых неформалов. Она вызвала всевозможные негативные отзывы критиков, потому что в ней не видели целостности и гармоничности форм, среди недостатков называли отсутствие глубины и описательных деталей.

«Впечатление. Восход солнца» Клод Моне
«Впечатление. Восход солнца» Клод Моне

Между прочим, одна из парижских газет, комментируя эту картину, отметила, что подготовительные рисунки для печати на обоях имеют более законченный вид, чем «Впечатление» Моне. Что ж, может, это и правда. И к счастью, неформатный Моне со своими коллегами не собирался включать заднюю — и в конце концов смог изменить общеизвестные каноны.

Еще одной фантастичной картиной Моне является «Портрет Камиллы в японском костюме», которая была написана в 1876 году. Ее отдельные детали нельзя определить с точностью, но импрессионисты имели привычку оставлять некоторые элементы картин незавершенными. В роли японки была жена Моне — Камилла Донс.

«Портрет Камиллы в японском костюме» Клод Моне
«Портрет Камиллы в японском костюме» Клод Моне

В 1877 г. интерес художника переходит к индустриальной тематике, он начинает писать вокзал Сен-Лазар, который станет его любимым местом.

На стадии эстетической и творческой вершины в своей «серийной» живописи Моне решает взяться за анализ световых и атмосферных эффектов на объекте архитектуры. Предметом живописных экспериментов стал западный фасад готического собора в Руане, который благодаря своей скульптурной и декоративной отделке, прекрасно воспроизводил оттенки света, которые поглощались пористой структурой камня.

Одна из картин серии «Руанский собор» , Клод Моне
Одна из картин серии «Руанский собор» , Клод Моне

Эдгар Дега (1834 — 1917) 

Для Эдгара Дега было характерно «наблюдать не рисуя и, рисовать не наблюдая» — нам только остается трактовать этот волшебный оборот, как знаем. Он не одобрял стремление импрессионистов работать на пленэре (на свежем воздухе). Вообще, с ними его сближало желание отойти от академических шаблонов, обращение к современным темам и правдивое изображения жизненных мгновений. Одними из самых известных его картин были: «Урок танца», «Раненый жокей», «Гладильщицы», «Жокеи перед трибунами», «У модистки» и другие. 

«Раненый жокей» Эдгар Дега
«Раненый жокей» Эдгар Дега

В 1870-х годах художник увлекся темой балета. Так увлекся, что теперь его прежде всего ассоциируют именно с балеринами и балетом. Он обожал изображать женщин, но, согласитесь, это для художника не новость — многие художники ценят красоту и изящество, склонны поэтизировать женщину. Что же характерно для балерин Дега? То, что они не были изображены во всей красе, а скорее наоборот — во время трудовых закулисных будней, наряжаясь в костюмы, готовясь к выходу на сцену. Эти темы вы увидите на картинах «Танцовщицы на репетиции» (1874 г.), «Танцовщица у фотографа» (1875 г.), «Ожидание» (1880 г.), «Две танцовщицы» (1898 г.) и др.

«Две танцовщицы» Эдгар Дега
«Две танцовщицы» Эдгар Дега

Также он увлекался пастелью, сочетающей в себе качества живописи и графики одновременно. Характерной чертой в его технике были линии — художник передавал изменения цвета прежде всего с помощью линий, в то время как импрессионисты имели склонность к передаче цвета через мазки.

Его основной формой живописи всегда была сюжетная композиция. В ней ярко раскрываются характерные особенности творческой индивидуальности художника — естественность и чрезвычайная бдительность художественного видения, обостренный интерес к передаче движения, беспощадная, почти беспристрастная аналитичность и одновременно насмешливая ирония.

Эдуард Мане (1832- 1882)

Эдуарда Мане объединял с импрессионистами отказ от сухой академической манеры и желание самоутвердиться. Он был чрезвычайно социальным человеком, который искал свое место в богемных кругах и стремился к признанию. Возможно, благодаря этому он является одним из самых авторитетных художников современного искусства. Но одного стремления мало, поэтому Мане создает свой собственный стиль, который рассматривался как инновационный и который оказал значительное влияние на будущих художников. Инновационность была в частности в желании совместить достижения традиционного искусства и современные тенденции. В своем творчестве Мане противостоял традиционным способам моделирования и перспективы. О его нестандартной перспективе свидетельствует, в частности, девушка в центре картины «Завтрак на траве», которая была написана в 1863 году (ниже). Как видим, женщина на заднем плане расположена достаточно далеко от людей, которых ми замечаем на переднем плане. Учитывая это, она должна была быть написана меньшей. При таком размере, который она имеет на холсте, эта девушка была бы очень большой, если бы мы разместили ее рядом с людьми с переднего плана. Но причина, почему Мане так поиграл с перспективой была не в том, что ему не хватило умений изобразить ее правильно. Посмотрим хотя бы на детали картины — они выдают мастера своего дела. Возможно, он хотел, чтобы мы подумали о картине больше и глубже. Хотя истинная причина точно неизвестна.

«Завтрак на траве» Эдуард Мане
«Завтрак на траве» Эдуард Мане

Мане был бунтарем в искусстве, дерзко и смело применял парадоксальные элементы в своем творчестве. Он использовал живописную технику «a l a prima » — рисование за раз по краске, которая еще не высохла — и оставался всегда студийным художником.

Камиль Писсарро (1831-1903)

Камиль Писсарро – самый старший среди импрессионистов. Жизненный путь художника был сложным, однако он участвовал почти во всех выставках, поэтому стал «патриархом» этого направления. Познакомившись с Моне и его талантом, он позаимствовал у него принцип разложения цвета. Абсолютно все полученные навыки, которые Писсарро перенял у своих учителей, он сумел использовать в своем творчестве.

Чрезвычайный успех имела картина «Пейзаж в Монморанси» (1859 г.), которая была представлена в Салоне. Пасторальный пейзаж воспроизводит сцену с сельской жизни, подсмотренную художником в одном из фермерских домов. Короткие горизонтальные тени говорят о том, что картина была написана в полдень солнечного дня. Нейтральная пастельная палитра разительно отличается от первых работ «парижского» периода в творчестве Писсарро. Несмотря на очевидный успех, связанный с допуском в Салон, картины молодого художника продолжали продаваться по смешной цене.

«Пейзаж в Монморанси» Камиль Писсарро
«Пейзаж в Монморанси» Камиль Писсарро

С 1866 года его палитра ставала все более светлой, он восторженно учился писать воздушную среду, пронизанную солнечным светом. В одночасье он, передавая ощущение формы большими мазками, стал рисовать шпателем. В результате Писсарро, отказавшись от черной краски, создал собственный твердый и уверенный художественный почерк.

В 70-х годах XIX века художник переживает пик популярности, однако все равно критика называла его пейзажи «непонятными». Во время Франко-Прусской войны в его доме было уничтожено около 1500 работ — 20-летний труд художника. Уцелели только 42 работы. Писсарро творил не только как живописец, но как и акварелист и гравер — в технике офорта и литографии, куда сумел перенести атмосферу мимолетного и изменчивого. Благодаря его таланту, последние годы жизни принесли художнику долгожданный успех и достаток.

Ренуар (1841 — 1919)

Пьер Ренуар — французский художник-импрессионист, который нечасто бывал на пленэре. Игра света и солнечные пятна были интересны ему, когда падали на нежную женскую кожу или на золотистые волосы ребенка.

Его всегда вдохновляли люди. Все главные принципы импрессионизма он реализовал в портретах своих родных, друзей, состоятельных заказчиков, любимых моделей, иногда очень даже известных и влиятельных.

Особенностями творчества художника были эмоциональность, быстротекучесть и быстрый живописный очерк. Будучи в постоянных поисках художественной истины, он в разные периоды своей жизни кардинально меняет манеру письма и пробует новые колористические решения: то сосредоточивается на четкости рисунка, то отказывается от светлой палитры в пользу насыщенного красного или черного. Самые известные картины: «Бал в Мулен де ла Галетт», «Завтрак гребцов», «Портрет актрисы Жанны Самари», «На качелях», «Зонтики», «Портрет мадам Шарпантье с детьми» и другие.

На последней изображена Мадам Шарпантье, которая сидит в гостиной своего дома вместе с детьми, дочерью Жоржетт и сыном Полем, и большой собакой. Картина несет в себе определенный след салонной живописи. Поза женщины достаточно парадная, но художественная манера Ренуара затмевает ее искусственность. Не только голубой, белый и золотисто-желтый цвет наполнены у художника воздухом, но и его любимый «черный», точнее, смесь цветов, которыми написано платье мадам, полные рефлексов и оттенков. Живость и непосредственность, которыми отмечены здесь детские образы, вносят настроение веселья в атмосферу картины. Благодаря ей Ренуар стал одним из самых востребованных портретистов.

«Портрет мадам Шарпантье с детьми» Ренуар
«Портрет мадам Шарпантье с детьми» Ренуар

Поль Сезанн (1839-1906 )

Как человек Поль Сезанн был довольно эгоцентричным и не очень социальным, но как художник — гением. Ранние работы Поля были написаны под влиянием Делакруа. Они так же романтичны и страстные, поскольку были написаны с использованием темной палитры широкими мазками. Кроме этого, он отдавал предпочтение темному фону, в то время как импрессионисты обычно выбирали белый. Поэтому это дикие, мрачные картины с жуткими сюжетами, такие как похищения или убийства. Страшная тематика продолжается и в картине «Вскрытие» (в 1869 г.). Такие работы шокировали жюри выставки Салона того времени, но теперь они считаются важным этапом в творческом становлении мастера. Это были эмоциональные картины, отражающие его настроение.

«Вскрытие» Поль Сезанн
«Вскрытие» Поль Сезанн

На картине «Тающий снег в Эстаке» (в 1870 г.) также видно резкий контраст тьмы и света, который отличал его ранние работы.

«Тающий снег в Эстаке» Поль Сезанн
«Тающий снег в Эстаке» Поль Сезанн

Но на картине «Уборка», написанной в том же году, заметны более светлые тона. Впервые на картинах Сезанна прослеживается гора с его детства (гора святой Виктории), которая появится и на его поздних шедеврах. Художника не слишком волнует манера живописи, он интересуется формами и стремится найти свой взгляд на мир, ничем не засоренный из прошлого.

«Уборка» Поль Сезанн
«Уборка» Поль Сезанн

В 1873 году он работает над картиной «Современная Олимпия», намеренно провокационной, навеянной работой Мане, которая оскорбила чувства зрителей на выставке Салона 1875 года. Оба шедевры изображают проститутку, но Сезанн решил включить себя в эту дерзкую, чувственную картину.

«Современная Олимпия» Поль Сезанн
«Современная Олимпия» Поль Сезанн
«Олимпия» Эдуард Мане
«Олимпия» Эдуард Мане

Берта Моризо (1841-1895)

Берта Моризо — французская художница и единственная женщина, которая принимала участие в самой первой выставке импрессионистов. Она часто позировала для Мане,  всего он изобразил ее на своих 16-ти картинах, запечатлев ее в истории слегка печальной, меланхоличной, но неизменно прекрасной.

Художницу, в отличие от ее коллег-мужчин, благосклонно принимали в парижском Салоне шесть лет подряд, поэтому она присоединилась к группе «отверженных» (так называли импрессионистов) уже известной художницей.

Берта получила высокую оценку общества, и, в результате, ее работы отлично продавались. Талант и мастерство помогли этой хрупкой девушке получить уважение коллег — мужчин, как следствие они воспринимали Моризо как равную среди равных.

Светлый колорит работ художницы, например, в таких картинах как «Женщина за туалетом» и «Девушка с корзиной», повлиял на палитру Мане и отразился на яркости эффектов его пейзажей.

«Девушка с корзиной» Берта Моризо
«Девушка с корзиной» Берта Моризо
«Женщина за туалетом» Берта Моризо
«Женщина за туалетом» Берта Моризо

За нежную гамму ее называли «виртуозом колорита». На картинах Моризо изображены вполне светские и милые женскому сердцу сюжеты — дети, матери, няни на прогулках, дамы в изысканных нарядах за туалетом, повседневная жизнь и домашние радости.

В ее работах нет черного контура, поэтому картины художницы характеризуются особой выразительностью и меланхоличной музыкальностью. До конца своей деятельности Берта сохраняла верность импрессионизму. В 2013 году Моризо стала самой дорогой художницей, когда ее картину «После обеда» (1881 г.) продали на аукционе Christie’s за 10,9 млн. долларов. 

«После обеда» Берта Моризо
«После обеда» Берта Моризо

Представители импрессионизма в живописи сумели сделать невозможное. Атмосфера кратковременного момента, его динамичность и красочность, которые отражены на картинах, подталкивают к мысли о красоте мироздания, которая теряется.

Не оставайтесь в стороне от прекрасного, посещайте мастер-классы в арт-студии «Лихтарик» и узнавайте больше о импрессионизме в живописи на онлайн-лекциях.

Сделаейте приятно своим близким — подарите сертификат на мастер-классы или лекции от Арт-студии Лихтарик.

Оставить заявку

    Ближайшие мастер-классы
    Посмотреть весь календарь >>
    Отзывы наших клиентов
    Как нас найти

    Мы на карте

    Напишите нам