Шедевры мировой живописи

Позвоните сейчас и закажите

Перечень шедевров мировой живописи практически неисчерпаем. С одной стороны — все время создаются новые картины, которые пополняют список. С другой — находятся до этого не известные шедевры. Но, также есть живописные картины, которые с течением времени становятся все более интересными для зрителей. Именно о них и пойдет речь далее.

Иероним Босх «Сад земных наслаждений» (220х389 см). 1490 — 1500 или 1500 — 1510 годы написания. Триптих хранится в постоянной экспозиции музея Прадо в Мадриде. Трактовок символов этого триптиха, как и тех немногих картин Босха, дошедших до нас огромное количество. Не зря Босха считают самым загадочным художником в истории. О его жизни действительно известно не много. Иероним родился в городе Хертогенбос герцогства Брабант. От названия его родного города и пошла общеизвестная приставка Босх к его имени, которую сейчас воспринимают как фамилию художника. В 1482 году он женится на богатой аристократке Алейт ван де г. Меервене и сразу его карьера идет вверх, он получает важные заказы. А в 1486 или 1487 году вступает в братство Богоматери при соборе Святого Иоанна в городе Хертогенбос. По заказу братства он делает свои самые известные алтарные композиции. Существует версия, что братство было еретическим. Этим любят объяснять всю странность живописи Босха.

Иероним Босх «Сад земных наслаждений»
Иероним Босх «Сад земных наслаждений»

Еще одна популярная версия для объяснения стиля Босха заключается в том, что его считают адамитом. Секта адамитов была достаточно популярна в Северной Европе 15 веке. Кроме секты адамитов художнику еще приписывают катарскую ересь. Однако, к концу 15 века католическая церковь почти полностью поборола катарскую ересь в Европе.

Что же касается триптиха «Сад земных наслаждений», то он состоит из трех панелей. На левой створке изображен рай, где Иисус представляет Адаму Еву на фоне зеленого сада с различными животными и птицами. На втором плане изображен фонтан жизни. Он традиционно является символом христианской веры, обряда крещения и причастия. Странным выглядит сова, которая выглядывает из сферы в центре фонтана жизни. Ведь сова в христианской символике (в противоположность античной) — символ дьявола. Но, если внимательно прочитать Библию и легенду об Адаме и Еве, то становится очевидным, что нечистая сила в раю первых людей существовала. Откуда же тогда взялось грехопадения?!

Множество человеческих фигур, которые придаются любовным утехам можно трактовать как одну из ересей, а можно как демонстрацию причинно-следственных связей: прелюбодеяние — прямая дорога в ад (его изображение совсем рядом на правой створке).

Широко представлены в аду музыкальные инструменты имеют достаточно логичное объяснение. Христианская церковь долгое время не воспринимала полифонию и многоголосие. Музыка считалась греховной, потому приносила людям удовольствие и дарила радость. А греховным инструментам самое место в аду.

Самой яркой аллегорией является образ времени, который пожирает людей. Чудовище в форме песочных часов актуально и для нашей повседневной жизни. Поэтому, попробуйте посмотреть на невероятные, аллегорические образы Босха с точки зрения логики и здравого смысла и открывайте для себя новые смыслы.

Джорджоне Барбарелли да Кастельфранко «Буря» (78х72 см). 1508 год. Картина хранится в Галерее Академии в Венеции. Ведущий художник итальянского ренессанса имел все шансы поспорить за статус отца венецианской школы вместе с Тицианом. Но умер молодим от чумы. Художник был учеником выдающегося венецианского художника, по сути первого великого художника Венеции — Джованни Беллини. Сам же Тициан был учеником Джорджоне и перенял у своего учителя много новейших на то время тенденций. К сожалению, после ранней смерти Джорджоне его имя на несколько веков ушло в небытие. Сейчас, наконец собираются открыть его музей в Кастельфранко.

Джорджоне Барбарелли да Кастельфранко «Буря»
Джорджоне Барбарелли да Кастельфранко «Буря»

Особенностью творческого почерка Джорджоне было особое внимание к пейзажу. Здесь следует отметить, что в 16 веке пейзаж, как отдельный жанр живописи еще не успел сформироваться. Пейзаж служил определенным фоном для изображения человека. Однако, венецианские художники первыми стали уделять особое внимание колориту и дополняли его прекрасными пейзажами. Картина Джорджоне ярко иллюстрирует эту тенденцию.

Сюжет картины до сих пор не разгадан. Версии того, что изображено на холсте имеют диаметрально разное толкование: от того, что изображена семья Джорджоне до иллюстрации поэмы Джованни Боккаччо, от изображения сцен «Фавиды» Стация до иллюстрации мифа о Парисе, которого воспитывали пастухи. Яркая молния на заднем плане дает дополнительный источник света на картине и намекает на драматический сюжет. Точно неизвестно кто эта женщина с младенцем и воином, который их охраняет. Сюжет развивается на определенном несуществующем пейзаже с рекой, мостом, деревьями и античными руинами. Собственно, преобладание пейзажа над изображением людей на картине и дало ей название. Художник очень тонко передал погодные условия, предчувствие бури, надвигающейся на трех персонажей картины.

Загадочности картине добавляет и ее рентгеновское изображение, на котором видно еще одну женскую фигуру, которую впоследствии художник зарисовал. Поскольку Джорджоне не оставил нам название картины, то искусствоведам остается только строить догадки. Смелой и одновременно реалистичной выглядит гипотеза, что художник не имел целью изобразить конкретный сюжет, а рисовал состояние природы, дополняя его людьми в качестве стаффажа. Такое предположение является смелым, потому что в таком случае Джорджоне опередил свое время на несколько веков.

Тициан Вечеллио «Портрет неизвестного с серыми глазами» (111х93 см). 1540-1545 года. Хранится в Палаццо Питти во Флоренции. Один из лучших портретов Тициана, художника, который славился своими портретами, его покровителем был король Карл V, а его влияние на новое поколение художников невозможно переоценить. Тициан прожил долгую, насыщенную и успешную жизнь. Его влиянию подверглись Рубенс, Ван Дейк, Эль Греко, Тинторетто, Веронезе.

Тициан Вечеллио «Портрет неизвестного с серыми глазами»
Тициан Вечеллио «Портрет неизвестного с серыми глазами»

Портрет неизвестного с серыми глазами или портрет Ипполито Риминальди (Феррарского юриста), как его иногда называют, является одним из лучших портретов мастера и одним из самых загадочных. Тициан писал портреты богатых, знатных людей от короля Карла V, до Папы Римского и его родственников, а также герцогов и герцогинь. Поэтому неизвестный с серыми глазами должен быть человеком знатного рода. Однако его личность нам неизвестна, несмотря на то, что в отношении творчества выдающегося венецианского художника документов до нас дошло немало.

Степенная, мощная фигура молодого человека без бороды, чьи глаза пристально смотрят на нас, завораживает своей реалистичностью. Может ли быть такое, что Тициан написал универсальный образ человека эпохи Возрождения: прекрасного снаружи и внутри, умного, интеллектуального, смелого человека, который после длительного средневековья возвращается в центр мира?!

Впрочем, среди возможных моделей для портрета называют герцога Урбинского Гвидобальдо делла Ровере, герцога Норфолкского сэра Говарда, внука папы Павла ІІІ Оттавио Фарнезе.

В портрете, к себе привлекает внимание не только лицо героя, но и его руки. Правая рука, которая выступает на первый план демонстрирует физическую силу неизвестного с серыми глазами, а его строгое лицо с орлиным носом заставляет насторожиться, вглядываясь в этого человека. Еще один важный акцент — это тень на темном фоне. На первый взгляд может показаться, что это тень от головы человека, но его лицо подсвечивается фронтально, то есть не дает такой тени.

В последнее время переосмысливается и время создания этого портрета. Это связано с новыми открытиями во время реставрации. Поэтому следите за историей этого портрета и возможно разгадка не заставит себя ждать.

Альбрехт Дюрер «Автопортрет» (67х49 см). 1500 год. Хранится я в Старой пинакотеке Мюнхена. Автопортреты Дюрера — это отдельная тема. Он первый европейский художник, который всерьез разрабатывал тему автопортретов. Целые столетия роль художника сводилась к ремесленнику. Дюрер поломал эту тенденцию, изображая себя в различных образах, дорогой одежде и повышая на картинах свой социальный статус.

Альбрехт Дюрер «Автопортрет»
Альбрехт Дюрер «Автопортрет»

Свой первый автопортрет юный Альбрехт создал в 1493 году, когда ему было тринадцать. Этот рисунок серебряным карандашом выступает ярким свидетельством раннего гения художника. В возрасте двадцати двух лет Дюрер пишет еще один автопортрет с веточкой чертополоха, который в Германии был символом мужской верности. Считается, что эта картина была написана для его невесты. Вероятно, этот автопортрет является самым эксцентричным из его коллекции.

Через пять лет Дюрер пишет автопортрет, в котором заявляет о своем новом статусе ведущего европейского художника, который превзошел уровень простого ремесленника. Модная одежда, кудри на голове и аккуратная бородка демонстрируют уверенный в себе успешный образ.

И наконец-то 1500 год — Дюрер пишет свой самый известный автопортрет в образе Иисуса Христа. Фронтальное изображение, длинные кудрявые волосы, нарядная одежда. Такое фронтальное изображение в те времена иконографически указывало на Христа. Дело в том, что около 1500 года вся Европа ждала конца света, прихода антихриста и Армагеддон. А христиане считали, что единственный способ не попасть в ад — жить по заповедям Христа. Такую трактовку и выбрал Дюрер для своего нового образа. Такой смелый шаг в изображении самого себя был революционным для начала 16 века.

Рембрандт ван Рейн «Автопортрет с Саскией» (161х131 см). Около 1637 года. Хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене. Рембрандт, как и Дюрер в свое время написал огромное количество автопортретов. По этим картинам можно проследить сногсшибательную историю жизни художника. И я сегодня хочу уделить внимание наиболее жизнерадостной из них. Автопортрет с женой Саскией написан во время наиболее успешного периода жизни Рембрандта. Он представляет себя с женой героями библейской притчи о блудном сыне. Рембрандт выступает в роли блудного сына, а Саския — блудницы. Оба персонажа дорого одеты, мужчина на картине держит хрустальный бокал. А за их спиной на стене висит грифельная доска — символ того, что все действия записываются и имеют последствия.

Рембрандт ван Рейн «Автопортрет с Саскией»
Рембрандт ван Рейн «Автопортрет с Саскией»

Композиция картины как будто бы разворачивается на сцене, мы видим еще одну массивную кулису, которая открывает зрителю действо картины. Стол, сервированный разнообразными блюдами, включая жаренного павлина, с одной стороны указывает на стол для вельмож, а с другой на тщеславие жизни.

В общем картина полна прославления жизни со всеми его удовольствиями и развлечениями. Это вершина творческого успеха художника и пик его семейного счастья. А гигантские фигуры в человеческий рост только придают сцене еще большей реалистичности. Поэтому, если абстрагироваться от библейского подтекста, картина предстает в совершенно ином свете.

Винсент Ван Гог «Подсолнухи». Серия картин, над которой художник работал в 1887 — 1889 годах. Если не знать биографию Ван Гога, а судить о его жизни по картинам, то может сложиться ложное впечатление счастливого и яркого жизненного пути. Однако, жизнь Винсента не жалела. От него практически отказалась семья, кроме брата Тео, который помогал ему всю жизнь. А благодаря жене Тео, творческое наследие Винсента не было потеряно. Он имел психические расстройства, жил в нищете и не имел успеха при жизни. Если бы он знал сколько людей будут ехать в другие страны только для того, чтобы посмотреть на одну из его картин, а репродукции серии подсолнухов станут одними из самых более тиражируемых изображений в мире.

Винсент Ван Гог «Подсолнухи»
Винсент Ван Гог «Подсолнухи»

Серию подсолнухов художник задумал во время своего путешествия на юг Франции в город Арль. Именно здесь были созданы лучшие его работы. Над подсолнухами Винсент работал, чтобы успеть к приезду Поля Гогена, похвалы которого Винсент нуждался как воздух. Но Гоген его картины не оценил, и сам визит Гогена стал для Ван Гога травматическим и болезненным.

Серия, которая была посвящена подсолнечникам, имела целью показать жизненный цикл этих цветов, которые на родине художника были символом верности через свою способность поворачиваться к солнцу. Ему не всегда хватало красок, чтобы продолжать работу, а через века одна из этих картин будет стоить 22 миллионов фунтов стерлингов. Картины, которые написаны жёлто-горячими пастозными мазками, создают жизнеутверждающую атмосферу для зрителей картины. Сложно представить, как человек, который был в таком отчаянном положении, создавал такие солнечные и оптимистичные картины.

Густав Климт «Поцелуй» (180х180 см). 1908-1909 годы. Картина хранится в Бельведере в Вене. Это одна из самых известных картин главного представителя венской сецессии. На картине изображена пара, которая целуется. Золотая одежда украшена мозаичными элементами. Пара стоит на цветущей земле. Картина написана плоскостно и декоративно. Существует версия, что Климт изобразил себя с любимом Эмилией Луизой Флёге.

Густав Климт «Поцелуй»
Густав Климт «Поцелуй»

Как и большинство картин Климта этого периода, эта работа демонстративно декоративная, с огромным количеством деталей, которые можно долго рассматривать, учитывая большой размер холста.

Эдуард Мане «Завтрак на траве» (208х264). 1863 год. Хранится в музее Д’Орсе в Париже. Мане — один из самых интересных художников-импрессионистов. Он стремился к признанию в официальных салонах, помогал финансово бедным импрессионистам, становился душой любой компании и подпадал под ужасную критику за свои картины. Не исключение и, казалось бы, классическая композиция «Завтрак на траве». Для начала ее не допустили к официальному Салону, и художник был вынужден выставлять ее в Салоне Отверженных.

Эдуард Мане «Завтрак на траве»
Эдуард Мане «Завтрак на траве»

Вдохновение для композиции Мане брал в уже упомянутого выше Джорджоне и его картине «Сельский праздник», которую теперь атрибутируют как работу Тициана.

На картине изображена обнаженная женщина и двое одетых по моде XIX века мужчин, которые сидят в ракурсе иньюди с плафона Сикстинской капеллы кисти Микеланджело. На дальнем плане из воды выходит еще одна полу обнаженная женщина. Казалось бы, классическая для старых мастеров композиция вызвала широкий резонанс в Париже. Причиной стало то, что персонажи были одеты в современную одежду и автоматически теряли аллегоричность. А еще откровенный взгляд женщины на зрителя как будто бы бросает вызов. Такой художественный ход тоже не понравился критикам. Современных зрителей наоборот поражает красота этой картины, она вызывает восхищение, которого автор не мог себе и представить.

Клод Моне «Руанский собор». Серия из тридцати картин, написанная в 1890-х годах. Картины изображают разные виды величественного средневекового собора в разные сезоны, погоду и время суток. Клод Моне — художник, который создал тренд на серии картин с одним объектом, который изображается при разном освещении. Именно свет искали импрессионисты и передавали его мастерски на холсте.

Клод Моне «Руанский собор».
Клод Моне «Руанский собор».

Выставку законченной серии картин организовал Поль Дюран-Рюэль — дилер, который верил в импрессионистов и сделал многое для их популяризации. Тогда было продано восемь картин. Моне завещал, чтобы вся серия продавалась вместе, но в итоге картины распродали по одной и сейчас они представлены в различных музеях и частных коллекциях.

Для Моне, световые эффекты были даже более важными, чем изображаемый объект. Он очень по-особенному видел мир и чувствовал свет, и это ярко передалось на его картинах.

Еще больше шедевров мировой живописи Вы можете найти на лекциях от арт-студии Лихтарик.

Сделаейте приятно своим близким — подарите сертификат на мастер-классы или лекции от Арт-студии Лихтарик.

Оставить заявку

    Ближайшие мастер-классы
    Посмотреть весь календарь >>
    Отзывы наших клиентов
    Как нас найти

    Мы на карте

    Напишите нам