Известные художники Украины

Позвоните сейчас и закажите

В бурном ХХ веке были не только войны. И хотя часто кажется, что этот век прошел в слезах и разочарованиях, он стал настоящим художественным калейдоскопом. А войны, смены режимов и бедность рассеяли художественный цвет по всему миру. Наши художники, в частности, успели поработать и в Украине, и в Азии, и в Европе, и в Америке. Но обо всем по порядку. Начнем с Киева.

Александр Богомазов больше всего связан именно с этим городом, хотя и успел поучительствовать в Нагорном Карабахе и съездить в командировку в Финляндию. Этот художник прошел путь от импрессиониста до кубофутуриста. Это значит, что от неуловимых мазков он перешел к четкой динамики линий, геометрических форм и насыщенных цветов. Вот сравните картину, созданную им в начале 1900 годов:

«Ожидание», А. Богомазов.
«Ожидание», А. Богомазов.

И картина, созданная в 1915 году

«Монтер», А. Богомазов.
«Монтер», А. Богомазов.

Конечно, художник создал гораздо больше картин, и повесить ярлыки «кубофутуризм» или «импрессионизм» на всех не удастся, потому что техники живописи часто накладываются друг на друга. Как вот на автопортрете «Виолончелист», в 1914 году (художник играл на виолончели):

По мнению Богомазова, объект познается через активные признаки — углы, крутые изгибы. Поэтому большинство его картин отмечены динамикой, а еще изобилием цвета. Поэтому Богомазова называют художником поздравительных энергий — у него всегда найдешь живость и яркость.

«Трамвай», 1914 год
«Трамвай», 1914 год

Возможно, это из-за того, что он не сомневался в правильности избранного пути: «Я отверг все другие карьеры, которые бы обеспечили мне материальное благополучие, и могу с гордостью сказать, что я не ошибся. Лучшего я не знаю» [автобиография]. По словам искусствоведа Дмитрия Горбачева, одна из последних картин художника — «Тирсоносы» — была написана на обратной стороне другой картины, так как у Богомазова не было денег на новый холст. Также интересно, что во время преподавания в школе для железнодорожников в Боярке (Киевская область), художник на своем удостоверении учителя вместо фотографии имел собственноручно нарисованную миниатюру-автопортрет. Существует предположение, что художник мог просто-напросто не иметь лишних средств на фото.

К сожалению, власть намеренно забыла о нем на треть века, потому что он не вписывался в каноны соцреализма, но к счастью, его картины были заново открыты в 1973 году на выставке в Лондоне. А в каталоге этой лондонской выставки было четко написано: «Художник наделен чрезвычайным своеобразием. На территории Украины совсем неизвестный, ни одной монографии». И это о человеке, который преподавал в Киевском художественном училище и в студии Александры Экстер, организовал вместе с Александрой Экстер выставку «Кольцо» (Киев, 1914 год) и написал трактат, который был переведен на французский, немецкий и английский языки под названием «Живопись и элементы».

Об Александре Экстер тоже не приходится молчать. Эта большая организатор и реформатор, которую окрестили «амазонкой авангарда», прежде всего известна тем, что первой превратила сценические 2D декорации на 3D. И это были не просто выпуклые деревья или домики на сцене, а кубистические объекты без четкой идеи. Одна декорация могла служить одновременно и деревом, и колонной, и местом действия для актеров. Разработанная ею «пластическая декорация» позволяла актерам обыгрывать сценические принадлежности и импровизировать с ними. Вот, например, один из эскизов декораций, созданных Александрой Экстер:

«Театральные декорации», 1930 год
«Театральные декорации», 1930 год

Кроме того, она создавала эскизы сценических образов актеров, считая грим и одежду еще одним средством выражения характера персонажа. По ее эскизам были сконструированы наряды для актеров научно-фантастического фильма «Аэлита»:

Костюмы актеров из «Аэлиты»
Костюмы актеров из «Аэлиты»

Эта хрупкая женщина работала везде: Киев, Одесса, Париж, Москва, Венеция … Её везде приглашали, поэтому ее имя стало брендом еще при жизни художницы. И это, в частности, благодаря ее стремлению к ярким открытым цветам, которое она позаимствовала из украинского прикладного искусства. Вот как они выглядят на ее эскизах:

«Эскиз костюма для «Танца с семью вуалями», 1917 год
«Эскиз костюма для «Танца с семью вуалями», 1917 год

Осмотрев этот эскиз, нетрудно догадаться, что Александра Экстер также была кубофутуристкой. Что касается украинского прикладного искусства, в селах она возрождала кустарные мастерские, куда нанимала местных крестьянок для ткачества и вышивания. И что, вы думаете, они брали за сюжет? Супрематические композиции. Такие модерновые ковры, как ниже, неплохо продавались в Европе и в России. Вот пример одного из них:

В определенный момент своей деятельности Экстер даже участвует в разработке формы для Красной армии. А кроме этого, художница открывает художественную студию в своем доме в Киеве (ул. Б. Хмельницкого 27/1), работает как художница в Камерном театре (Москва), общается с Пикассо и Рембо. Но не следует думать, что жизнь Александры Экстер была наполнена сплошным успехом. Как-то, уже имея имя и статус, она создала такое количество декораций для постановки «Ромео и Джульетты», которую критикуют до сих пор. Декорации были слишком громоздкими для Камерного театра. Поэтому актеры просто были бледным дополнением к монументальным конструкциям сцены.

Мы рассказали о сценографии, собственно живописи, время вспомнить и о гравюре. Гравюры Якова Гниздовского — «Зимний пейзаж» и «Подсолнух» — висели в кабинете Джона Кеннеди в Белом Доме, и это не случайность. Поскольку львовянин Гниздовский однажды стал гражданином США, его произведения автоматически стали символом современной американской культуры. А еще их очень любят японцы. Догадаетесь, почему?

«Зимний пейзаж»
«Зимний пейзаж»
«Овцы»

Вышеприведенные картины — это деревориты (оттиск окрашенного резного дерева). Причина для выбора этой техники была прозаична — денег на холсты не было, на натурщиков — тоже, поэтому пришлось искать естественных «натурщиков» — деревья, овец — и экспериментировать с пустой мешковиной вместо льняных холстов. Частично в этом виновата война. Дело в том, что он из тех художников, которых война изрядно покидала по миру: в 1938 году Андрей Шептицкий спонсирует обучения Гниздовского в Варшавской академии искусств, но в 1940 году студент эвакуируется в академию в Загребе, потом на пять лет застревает в немецком лагере для перемещенных лиц. Там до появления Гниздовского уже собралась немалая группа нашей интеллигенции — Иван Багряный, Улас Самчук, Евгений Маланюк и др. — и Яков Гниздовский присоединяется к их группе. Вместе они превратились в «Мистецький Украинский Рух» (МУР). Два писателя с этой группы похищают кириллические шрифты в одной типографии и начинают издавать журнал, где публикуют иллюстрации Гниздовского и свои литературные произведения. А впоследствии художник изображает жизнь лагерных поселенцев на холсте:

«Перемещенные лица», 1948 год
«Перемещенные лица», 1948 год

Так война и лишения стали для него сюжетом, а не катастрофой. Позже произошел его переезд в Америку, где он продолжил писать, создавать деревориты, открытки и получать одну за другой премии.

Открытка, созданная Яковом Гниздовским
Открытка, созданная Яковом Гниздовским

Америка помогла творчески реализоваться еще одному украинскому художнику. Это — скульптор-авангардист Александр Архипенко. Интересно, что увлечься творчеством ему помог Микеланджело и дедушка.

Когда Александр Архипенко еще маленьким мальчиком упал с велосипеда и получил травму, ему нужно было долго оставаться в постели, а для ребенка это была настоящая каторга. Поэтому дедушка придумал ему квест — дал альбом с рисунками и скульптурами Микеланджело и дал указание перерисовывать. И уже тогда благодаря своей детской фантазии у Александра появился концепт знаменитого пустого пространства. Когда маленький Архипенко увидел, как пустое пространство между двумя горшками на столе формирует еще один «пустой» горшок посередине, это явление очень заинтересовало его. Поэтому после того, как Архипенко выучился в Киевском художественном училище (вместе с Экстер и Богомазовым) и начал творить самостоятельно, это стало его фишкой. Посмотрите сами:

«Женщина, расчесывающая волосы», 1915 год
«Женщина, расчесывающая волосы», 1915 год

Эта бронзовая статуэтка — мировая звезда, поэтому на ее примере мы объясним вам особенности творчества скульптора. Что касается звездного статуса этого произведения, оно было продано на аукционе «Сотбис» за 2 миллиона долларов. А стать лотом на этом аукционе — это честь для произведения, поскольку аукционный дом «Сотбис» — один из старейших в мире. Здесь заоблачные цифры часто ставят рекорды и вызывают шок у общественности. Подумаем, оправдана ли цена этой статуэтки. Архипенко создал первые кубистические статуи — до него на кубизм в скульптуре никто не решался. К тому же, в 1933 году в Чикаго на Всемирной ярмарке столетнего прогресса, где все нации представляли свою культуру и достижения, в украинском отделе были представлены не только наряды и танцы, но и скульптуры Архипенко. Поэтому мир увидел Украину через Архипенко, аутентичные наряды и танец. Его скульптуры, определяющие еще и потому, что вместо традиционных изогнутых выпуклых линий Архипенко делает вогнутые:

Walking («Прогулка»)
Walking («Прогулка»)

Инновационность Архипенко была и в том, что он использовал инженерные решения в своих проектах. На один из них он даже получил патент на 17 лет. Суть этого художественного изобретения была в том, что картина из полосок прокручивалась специальным механическим устройством так, что на смену одной картине появлялась другая. Это явление вошло в словари как архипентура, а в нашу повседневную жизнь — как каждый билборд, который мы видим. Без Архипенко, вполне возможно, их бы не придумали.

Художник смело мыслил и не подчинялся надуманным канонам. Итак, оправдана ли цена «Женщины, расчесывающей волосы»?

А начиналась его успешная карьера с художественного училища, где когда-то преподавал Александр Мурашко. Неизвестно, встречались ли художники. Но в Киеве в начале ХХ века встретились и развивались сразу несколько поколений художников. О младшем поколении мы уже поговорили — время обратиться к их предшественникам-учителям.

Что касается Александра Мурашко, его специальность была определена еще в детстве. Поскольку его отчим Николай Мурашко работал иконописцем, то надеялся, что и его пасынок пойдет проторенной дорожкой, потому что очень уж нужны были помощники в мастерской. И хотя Александр был не против работы в мастерской, но его амбиции были большими — он больше всего хотел учиться в Академии художеств в Санкт-Петербурге. Окончательное решение он принял, когда помогал отчиму оформлять Владимирский собор в Киеве. Там Александр познакомился с Михаилом Врубелем и Виктором Васнецовым и решил, что должен учиться в Академии несмотря на протесты Николая Мурашко. Спор между пасынком и отчимом дошла до предела – как результат, Александр убегает из дома. Убегает не для того, чтобы отомстить, а для того, чтобы писать картины по собственному замыслу. Кто знает, сколько бы могла продолжаться «холодная война» между родственниками, если бы их не помирили родные. После примирения Александр всё-таки получает свое — и вступает в Высшее художественное училище при Санкт-Петербургской академии, а через два с половиной года, как лучший ученик, становится вольным слушателем академии и студентом Ильи Репина.  

По словам Мурашко, в творчестве художник должен быть как ребенок — непосредственный и искренний. Видимо поэтому, создавая картину на библейский сюжет, Мурашко ничуть не копирует предыдущие картины с этой идеей. Речь идет о «Благовещении»:

«Благовещение», 1909 год

Это импрессионистическая картина тяготеет к реализму и портретной живописи — оно и неудивительно, поскольку Александр Мурашко известный прежде всего, как портретист. Кроме нетрадиционной обработки сюжета, художник интересен симбиозом художественных техник, использованных для написания картины. За это его очень ценили за границей. И признаемся честно, если бы мы не знали названия картины, вряд ли бы нам вспомнился святой момент Благовещения. Слишком уж не канонично и модерново он прописан.

Ценили за границей и еще одного художника — Адальберта Эрдели. по словам

народной артистки Украины Клары Балог «его нельзя было не любить. Он настолько был красивый, элегантный, такой добродушный. В него влюблялись». О добродушии Адальберта Эрдели свидетельствует и тот факт, что он мог раздать большую часть своей учительской зарплаты у кафедрального собора. На вопрос «Зачем?» он отвечал: «И эти бедные люди должны знать, что такое зарплата». Художник Владимир Микита рассказывал о таких особенностях Эрдели: «Он во фраке мог рисовать картину — и нигде не замазаться … И рисовал так, и работы его такие элегантные».

«Портрет А.С.»
«Портрет А.С.»

Возможно, секретом этого внутреннего аристократизма были его ценности: Бог — искусство — любовь — бесконечность. Их определил сам Эрдели в своих дневниках и романах о внутренних состояниях человека. Вот цитата из его записей: «Искусство выкристаллизовало меня как человека, ставшего одним целым с Вселенной, что видит гармонию бытия».

При том, что эта личность тяготела к сосредоточению, он не закрывался от мира и считал, что надо учиться у других и показывать себя. Поэтому когда он как учитель живописи получил направление от правительства Чехословакии на обучение в Париже, то ушел с головой в культурную жизни Франции, а вернувшись, организовал в Закарпатье три художественные объединения и Ужгородское художественно-промышленное училище. «В Париже я увидел, что только из-за недостатка средств и своей скромности я не смог стать первым из первых», — но он стал первым из первых в Мукачево, Ужгороде и в Закарпатской Украине в целом.

«Осеннее озеро»
«Осеннее озеро»

Но советские каноны добрались и до Эрдели — к концу жизни его осудили и заставили изменить стиль письма на соцреалистический. Он начал выгорать как художник.

Эрдели испытывал психологическое давление, в то время как Михаил Бойчук был уничтожен физически — его расстреляли под Киевом за неуместные идеи и произведения. Представьте себе время, когда авторов поэтических сборников репрессировали за проукраинские идеи, когда интеллигенции запрещали собираться на вечеринки, видя в них антисоветскую деятельность — это хорошо отражено в фильме «Запрещенный» (2019 года). А теперь представьте, насколько более антипартийной была идея украшать храмы, восстанавливать фрески, выполнять резную утварь и ковры для церквей, а еще писать работы, основываясь на византийскую и древнерусскую технику письма. Они обязательно имели национальный колорит, библейскую тематику и развивали религиозную культуру. Взгляните на несколько работ Михаила Бойчука:

«Пророк Илья», 1910-1912 годы
«Пророк Илья», 1910-1912 годы
«Женщины у яблони», 1920 год
«Женщины у яблони», 1920 год

Вместе выходила разрушительная смесь для художника советского времени. А учитывая, что Михаил Бойчук не только сам работал в этом направлении, но и имел сторонников среди младших художников, которые уже в 1910 году на одной из выставок представили свои работы широкой публике, а с 1917 года бойчукизм еще и начал развиваться в Академии искусств, распространение такого направления стало сигналом опасности для новой советской власти. Интересно, что бойчукизм развивался во время гражданской войны 1917-1920 годов, но не пережил мирные советские будни. После расстрела Михаила Бойчука и его жены началось истребление картин художника и репрессии его учеников. К счастью, нам остались некоторые работы.

За границей или в Украине, скульптура или живопись, сценические декорации или ткачество, кинофильмы или выставки — не было мест недоступных для украинских художников ХХ века. Они проявили себя сполна во многих направлениях, а если вам интересно узнать про эти направления больше, посетите наши мастер-классы или лекции по истории искусства.

Сделаейте приятно своим близким — подарите сертификат на мастер-классы или лекции от Арт-студии Лихтарик.

Оставить заявку

    Ближайшие мастер-классы
    Посмотреть весь календарь >>
    Отзывы наших клиентов
    Как нас найти

    Мы на карте

    Напишите нам