Авангардизм

Позвоните сейчас и закажите

Авангардное искусство можно сравнить с пестрой мозаикой — только когда приближаешься, можешь полностью оценить изобретательность рисунка. Чем ближе становишься, тем больше замечаешь деталей и материалов, использованных для нее. Кроме традиционных камней, как оказалось, на ней можно найти пластиковые крышечки, морских ракушек и несколько пуговиц от маминого пальто. Словом, благодаря авангарду мы понимаем, что искусство — это не только классика.

Авангардизм — это обобщающее название течений, возникших в мировом искусстве на рубеже XIX и XX веков, которые были направлены на разрушение традиционных художественных форм и законов.

Термин «авангард» или «авангардный» сейчас становится синонимом всему, что расталкивает границы традиций и выламывается из системы. Часто он ассоциируется с такими словами, как например, столкновение, воинственность, утопизм, бескомпромиссность и революционность. И они, между прочим, четко определяют философию авангарда. Но, согласитесь, эти слова отнюдь не рассказывают, какие техники или материалы были в арсенале авангардистов. Очевидным остается одно — изюминкой в авангардизме был именно радикальный и несколько агрессивный первый подход к творчеству.

Четко определить авангардизм – нелегкая работа. Он образовался на основе импрессионизма, постимпрессионизма и символизма. А сам авангардизм состоит из таких течений, как сюрреализм, кубизм, футуризм, конструктивизм, экспрессионизм, супрематизм, дадаизм и др. И если вы увидите работы, созданные по их канонам, то сможете четко осознать — перед вами авангард. Пестрый, провокационный, свежий авангард без общей для всех течений техники. Ниже мы приводим работы авангардистов, которые доказывают, что единой техники для всех течений этого направления не было.

«Девушка с мандолиной», Пабло Пикассо (1910 год)
«Девушка с мандолиной», Пабло Пикассо (1910 год)
«Прекрасная пленница», Рене Магритт (1947 год)
«Прекрасная пленница», Рене Магритт (1947 год)

Авангардизм — это совокупность школ и направлений, программы которых в чем-то пересекаются, но часто противоречат друг другу. Раньше великие художественные явления складывались в стили, которые имеют определенные узнаваемые особенности и характеристики, но авангардные течения, как доказал немецкий историк Петер Бюргер, не развили таких однородных свойств. Авангардисты боролись за неограниченные возможности для творчества, а не установление новых границ — отсюда и отсутствие единой линии в художественной деятельности. А те стили, которые предшествовали течению авангарда, исчерпали себя, потому что сдерживали художника в средствах выражения.

По мнению некоторых авторов, авангардисты боролись против инертного искусства, которое застряло в канонах. Даже импрессионизм, который сначала сформировался как бунтарское направление, превратился в школу со своим кодексом художника. Как следствие, пришло время для обновления. Здесь на арену выступил отряд авангардистов. По их мнению, следовать тенденциям было нелогично, потому что искусство — это активный процесс. Он весь о поисках и изменениях. Известный кубист Жорж Брак проиллюстрировал это утверждение следующими словами: «Не нужно даже пытаться подражать вещам, которые проходят и постоянно меняются, и которые мы ошибочно принимаем за нечто неизменное».

Учитывая все это, нам стоит забыть о возможности четко определить технику письма, которая была бы общей для художников авангардистов. Они не искали единства друг с другом и не подстраивались под своих коллег, скорее наоборот — они были достаточно амбициозными и самоуверенными, чтобы творить каждый свой авангард — отсюда и многообразие течений. И для этого художники использовали весь арсенал своего ума, академического и «левого» искусства и тонкую философию. Кстати, иногда именно новаторская философия картины выдает то, что она авангардная. А вот мазки, штрихи и точки реже помогают отнести картину к этому стилю.

И хотя авангард не имеет строгих канонов, можно по крайней мере определить общие тенденции этого направления. Зная о них, вы легко сможете поразить всех своим тонким пониманием авангардизма. Но даже эти тенденции не дают четкого понимания, как создать авангардную картину. Поэтому копаем глубже — будьте внимательны. Первая из этих тенденций такова: те изобразительные средства, с помощью которых ранее создавалась живопись, перестали быть просто средствами. Цвет, линия, пространство, объем, фактура со времен авангардизма стали главными действующими лицами на картинах, они стали не способом письма, а самим произведением. И «наиболее полно это отразилось в абстрактном живописи Кандинского, супрематизме Малевича и его круга и т.д. …» (Константин Дудаков-Кашура). В качестве примера возьмем картину ниже.  

«Композиция Х», Василий Кандинский (1939 год)
«Композиция Х», Василий Кандинский (1939 год)

Василий Кандинский на этой картине отразил не какой-то конкретный объект с помощью линий и фигур, а поместил на холст сами линии и фигуры как самодостаточные объекты. Кроме этого, здесь цвет становится основным предметом изображения и у него появляется философский смысл. Как видим, картина покрыта черным фоном, который вызывает тревожные ассоциации и обостряет ощущения. Вполне вероятно, что он передавал тревожные дни 1939 года. Время, которое полнилось слухами о приближении войны. К сожалению, тревожные настроения картины впоследствии были подтверждены началом Второй мировой.

Другая тенденция была такой: живопись отжила свой век. По словам Казимира Малевича, «о живописи в супрематизме не может быть и речи, живопись давно изжита». «Черный квадрат», который стал иконой и символом искусства ХХ в., – свидетельствовал, что живопись осталась в прошлом. Поскольку эта мысль может шокировать, давайте разложим ее по полочкам. Речь идет только о традиционном отражении мира на картинах — именно оно осталось в истории. В прошлом осталась фигуративная живопись — реалистично написанные изображения скульптур и людей. «Нет смысла копировать предметы», — сказал Анри Матисс — художник начала ХХ в. Если же мы возьмем в качестве примера сюрреалистические картины Сальвадора Дали или Фриды Кало, которые отражают идеи, а не реальные объекты, то увидим, что живопись не умерла, а расширила свои границы. В ХХ в. благодаря авангардистам живопись прекратила изображать окружающий мир, она стала демонстрировать мысли и философию, она усложнилась. И о этом активно начали говорить еще в 20-х гг. ХХ в.

Еще одной важной особенностью авангарда было создание уникального взаимодействия слова и изображения. Некоторые писатели были художниками (Владимир Маяковский, Давид Бурлюк и др.), поэтому много нововведений в литературе оказались органично привнесенными с искусства. В этом смысле границы между видами искусств считались абсолютно прозрачными — отсюда рукописные и литографированные книги, в которых абсолютно равное участие с поэтами принимали художники Михаил Ларионов и Казимир Малевич. Отсюда и тесное общение Гийома Аполлинера с Жоржем Браком и Пабло Пикассо.

Безвиз между видами искусства способствовал проникновению музыки в живопись. Тот самый Василий Кандинский видел значительное родство между цветом и звуком. Проникновение звука и цвета в «Солнечные кларнеты» Павла Тычины также связано с тем, что он был хоровым певцом, а не только поэтом. А такой известный художник как Робер Делоне и его очаровательная жена Соня Делоне (Соня, между прочим, была родом из Одессы) активно работали в течении орфизма — еще одного детища авангардизма. Основными чертами орфизма были криволинейные конструкции, переплетение контрастных цветов и передача звуковых впечатлений на картинах. На орфических картинах всегда чувствуется динамика и звук. Вот, к примеру, «Эйфелева башня» Робера Делоне:

«Эйфелева башня», Робер Делоне (1911 год)
«Эйфелева башня», Робер Делоне (1911 год)

В произведениях орфистов главным является цвет, а не форма. Его последователи при помощи сочетания контрастных тонов стремились передать на холсте динамику и ритмичность движения.

Новое течение начало называться орфизмом благодаря Гийому Аполлинеру — он увидел в технике Робера Делоне общность с талантом древнегреческого мифического героя Орфея. Этот герой имел незаурядную способность: когда он играл на лире, то звуки его мелодии двигали камни и завораживали животных. Поэтому так же, как и Орфей, Делоне сумел в своих работах отобразить движение и музыкальность окружающего мира. История орфизма как течения доводит то, что у авангардизма не было предела. А еще то, что авангардизм не был стабильным явлением. И хотя сначала у Робера и Сони Делоне были последователи, со временем их ученики нашли для себя другие ниши авангардизма, а супруги Делоне осталось первыми и единственными последователями своего течения. Получается, что иногда достаточно нескольких человек и уникального замысла, чтобы создать школу и войти в историю. 

Кроме орфизма, который не очень известен широкой публике, одним из течений авангардизма был и кубизм — это настоящий хит ХХ в. Говорят, Пикассо был известным кубистом, но искусствоведы на такие ремарки таинственно улыбаются, а потом добавляют: «А как же Жорж Брак?» — «Кто-кто?» — «Жорж Брак. Именно его картина заставила критиков назвать кубистов «кубистами». Когда Брак выставил на показ «Виадук в Эстаке» в 1908 году, критик Луи Воксель сказал примерно следующее: «Этот молодой господин презирает форму — сводит все к геометрическим схемам! Его объекты на картинах угловатые, как … кубики. Он кубист». Кстати, дружба Пикассо и Брака началась с довольно неприветливой ремарки Брака. Когда тот зашел в мастерскую к Пабло Пикассо, то прокомментировал его искусство так: «Ты пишешь картины так, будто хочешь заставить нас съесть паклю или выпить керосина». Конечно, совсем не это стимулировало развитие дружеских отношений между художниками, но начало было положено. И сделано это было в духе авангардистов.

«Виадук в Эстаке», Жорж Брак (1908 год)
«Виадук в Эстаке», Жорж Брак (1908 год)

И у Брака, как и у его друга и соратника Пикассо, не было четкого плана стать кубистами — художники просто стремились выразить то, чем полнились их мысли. Им хотелось вернуться к первобытному сознанию, свободного от условных рамок, накладываемых обществом. Отсюда, кстати, большая заинтересованность в африканском искусстве, которая была почти идеей-фикс для авангардистов. Угловатые резкие формы африканских масок вдохновляли художников возвращаться к первоначальной форме. Так, «Авиньонские девицы» Пабло Пикассо были созданы под влиянием африканского искусства.

А откуда же взялся такой эпатажный Пикассо? Историки искусства придерживаются мнения, что сформироваться Пикассо как художнику помог фовизм. Это еще одно течение авангардизма, которую раскритиковал Луи Воксель (при рождении Луи Мейер, который был влиятельным французским еврейским критиком искусства). Этот критик уже известный нам, не так ли? С легкой руки критика выставку фовистов в 1905 году окрестили «дикой» из-за буйства красок на картинах. Цвета были настолько безудержными, что перенасыщали картину, поэтому арт-критик Воксель в придачу подчеркнул, что картины изображают просто-таки «оргию цветов». Посмотрим на пример такой картины:

«Извилистая дорога в Эстаке», Анри Дерен (1905 год)
«Извилистая дорога в Эстаке», Анри Дерен (1905 год)

Но фовисты только подняли бровь, закатали рукава и продолжили в том же духе. А дух у них был такой: цвет должен отражать эмоции, а не реальность.

Можно долго растекаться мыслию по древу, анализируя каждое течение авангардизма, но мы скорее подведём небольшие итоги о проанализированных выше течениях. Для них было характерно плоскость изображения, отказ от перспективы, использование чистых, несмешанных цветов и внимание к форме. Форма — это почти богиня для авангардистов. Считалось, что она имеет самобытное значение. Каждый уголок может творить философию.

Интересно то, что авангардизм овладел миром, как лихорадка. В Российской империи, например, большевики активно привлекали авангардистов к созданию агитационных плакатов накануне Октябрьской революции. Но авангардной была не только живопись, но и скульптура и театр. Через год после этой таки революции Давид Штеренберг украшает Зимний дворец кубистической скульптурой пролетария, а затем в 1920 году у этого же дворца проведут одно из крупнейших массовых представлений — «Взятие Зимнего дворца». Как видим, авангардисты были выгодны новой власти. Почему же политики так способствовали развитию авангардного искусства? Почему авангардистов взяли на вооружение? Ответ в философии авангарда.

Авангардисты считали себя мессиями, которые должны изменить представление об этом мире, изменить язык этого мира, способы восприятия мира. Их задачей было мгновенно реорганизовать мир, как это делает каждая революция. Настоящие лидеры мысли, они объединялись с учеными, чтобы двигать нации вперед и избавить массы от заскорузлого способа мышления. Их задачей было внедрить инновации за кратчайшее время и показать людям, что будущее творится на их глазах. Ихней задачей было стимулировать движение. А еще они более всего стремились соединить жизнь и творчество, не разделять рутину и искусство, соединить идеи простого и высокого. Это все было выгодно и революционным политическим силам, которые тоже стремились к реорганизации. А если подумать, что авангардисты с радостью создавали коллажи, агитационные плакаты, оформляли книги, упаковки, витрины и клубы с установкой совместить обычное и художественное, то не воспользоваться духом авангардизма было просто не рационально. Так объединялись две мятежные силы — революционно-политическая и революционно-художественная. Кроме того, часто авангардисты не требовали больших спонсорских средств для своих проектов, поэтому сотрудничать с ними было экономически выгодно. Свои изображения они начали конструировать из цветной бумаги, графических знаков (букв, нот, цифр), обрывков газет, схем, обоев, наклеек, веревок, листов железа, лоскутков ткани. Разве не находка для новой власти?

Но несмотря на новаторство и мятежный дух, авангардистов можно так же критиковать, как и художников предыдущих эпох. Мы бы не хотели, чтобы эта статья возвеличила авангард как квинтэссенцию истории искусства. Сколько бы интересных явлений авангард не порождал, ему не хватает одной функции, которую искусство давно выполняло, — воспитательной. Если художники предыдущих эпох несли культурные ценности в массы, то авангардисты доводили их до абсурда. Иногда авангардисты нивелировали достижения живописи настолько, что превращали ее на творчество без художественной ценности. И это тоже специфическая черта авангардизма, на которую следует обратить внимание. Илья Репин, в частности, не выдерживал напора авангардистов. Как-то придя на выставку в «Салоны» Издебского, где презентовали работы украинские авангардисты, он выбежал оттуда в шоке. Его реализм был полной противоположностью авангарда. Поэтому ему было крайне трудно признать авангардизм искусством.

«Стеклянный графин и газета» Жорж Брак (1914 год)
«Стеклянный графин и газета» Жорж Брак (1914 год)

Авангардисты вдохновлялись обыденностью и примитивом, поэтому они изменяли вид привычных вещей на арт объекты. И хотя художники тогда еще не знали слова «дизайн» в нашем понимании, но все, кто занимался в 1920-е годы беспредметным искусством, стремился перейти от живописи до проектирования объемных и функциональных вещей (не изображать реальность, а создавать новую реальность). Для художественных решений авангардистов характерен принцип деструкции целого и монтаж обломков.

Авангардизм уже стал историей. Время, в которое мы живем, можно назвать постмодернизмом, а авангардизм был модернистским направлением. Несмотря на это, идеи авангардизма частично живут в произведениях Ивана Марчука, Сергея Святченко и др. и все еще влияют на творческие поиски современных художников. Если вы хотите узнать больше об авангардизме, посетите наши лекции по истории искусства или приходите на мастер-классы и создайте свой авангард. А если вы ищете нестандартный подарок на праздники для самых дорогих вам людей, предлагаем вам наши подарочные сертификаты.

Оставить заявку

    Ближайшие мастер-классы
    Посмотреть весь календарь >>
    Отзывы наших клиентов
    Как нас найти

    Мы на карте

    Напишите нам